YBCA/ Song Dong / Waste not


OVERVIEW

Song Dong is known for his innovative conceptual videos and photography that quietly reveal the societal implications of modern China. They also express how he personally copes with his country's rapid development, while retaining a spiritual connection to the past. A highly skilled artist, Song Dong’s works are especially powerful in expressing the effects of radical change and social transformation on members of his own family. It is this latter aspect of his work that has set him apart from the many extraordinary artists who have also been grappling with the rapid changes China is experiencing.

The centerpiece of Song Dong: Dad and Mom, Don’t Worry About Us, We Are All Well is the much heralded, large-scale installation Waste Not comprised of over 10,000 items ranging from pots and basins to blankets, bottle caps, toothpaste tubes, and stuffed animals collected by the artist's mother over the course of more than five decades. This installation has been shown at prestigious venues across Asia, Europe and North America since it was first created in 2005, but YBCA will be the first venue to present Waste Not in a larger context of Song Dong’s work focusing on his family.

Waste Not follows the Chinese concept of wu jin qu yong or 'waste not,' as a prerequisite for survival. The project evolved out of a family necessity and the artist's mother's grief after the death of her husband. The assemblage of thousands and thousands of items takes up a 70 x 60 foot area that viewers can navigate around and through. The centerpiece of the installation is the architectural armature of the building where the artist was born. A core theme ofWaste Not is the idea that people, everyday objects and personal stories are not only spiritually rich in thematic material but recognizable evidence of the impact of politics and history on family life.

The exhibition also features a selection of the artist's videos, photographs and a newly commissioned work. Collectively, the works create a longitudinal portrait of Song Dong's use of art as a way to form closer bonds with his mother and father, as well as his siblings, wife and daughter, and to express the power of the family as a social unit. Other works in the exhibition include Touching My Father (1997), Father and Son in the Ancestral Temple (1998), Listening to My Family Talking about How I Was Born (2001) and Chinese Medicine Healing Story (2011), all of which use photo-based imagery to consider familial identity, individuality and the legacy of ancestors.


Program or be programmed Douglas Rushkoff in SXSW 2010

JR primé par TED


Via OWNI Digital journalism:
"Le nom de l’heureux élu du prix TED 2011 tient en deux lettres : JR. Le photographe français vient d’être récompensé pour l’ensemble de son travail depuis dix ans. Tout a commencé en 2000 avec un appareil photo trouvé dans le métro parisien. Depuis, JR n’a plus lâché le déclencheur et il s’est offert le luxe de la plus grande galerie d’exposition au monde : la rue.

Ancrées dans la mouvance des activistes urbains, ses actions investissent l’espace public de manière magistrale. Les très grands formats qu’il colle sur les murs de nos villes transforment à la fois notre regard et notre environnement. Dans une société gavée d’images, celles de JR ont un impact hors normes. Elles redessinent la géographie de notre quotidien visuel et replacent l’humain au premier plan."
Julien Goetz
Article complet [ici!]
Et site web de JR [ici!]

Pastafarisme


Info sur cette religion, sur le complot le plus secret du XXIème siècle [ici!]

Les Magiciens de la terre 1989 + Rose Laurence - AFRICA ( REMIX )



En plus d'un certain africanisme pensant l'Afrique comme simple terre originelle et spirituelle, ce clip de 1983 sonne l’aberration ou la croyance du pouvoir d'impact et de crédibilisation du plateau tv, ce même phénomène récupéré tant de fois artistiquement sous le fameux nom de Revival.

Que faire ? 11/19 Dec 2010

Site web de l’évènement [ici!] .
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Du 11 au 19 décembre 2010, la plateforme curatoriale le peuple qui manque, en partenariat avec le Département FILM du Centre Pompidou, propose des rencontres intitulées « Que faire ? art/film/politique ». Offrant un état des lieux des nouvelles stratégies critiques qui se font actuellement jour au sein de la création internationale, et en premier lieu au sein de la production contemporaine des images en mouvement, ces rencontres s'intéressent aux relations entre art & politique.

Constituées d'un symposium critique, de présentations d'artistes et de projections vidéos, ses rencontres se tiendront les week-end des 11-12 et 18-19 décembre 2010 au Centre Pompidou, et sera également constituée d'actions-satellites entre les deux week-ends (Laboratoires d'Aubervilliers, Beaux-Arts de Paris, Palais de Tokyo, Espace Khiasma). La manifestation se prolongera de janvier à mai 2011 par plusieurs rendez-vous à la Maison Pop et au Cinéma le Méliès de Montreuil.

Symposium et projections en présence de Rabih Mroué (Liban), Ursula Biemann (Suisse), Catherine David (FR), Joaquin Barriendos (ES), Elvan Zabunyan (FR), Coco Fusco (US), Kodwo Eshun et Anjalika Sagar / The Otolith Group (UK), Christophe Marsat & Alejandro Arozamena / Brumaria (ES), Dmitry Vilensky / Chto Delat ? (RU), Rasheed Araeen / Third Text (UK), Natasa Petresin-Bachelez (FR), Frédéric Moser & Philippe Schwinger (Suisse), Hila Peleg (Allemagne), Steve Kurtz / Critical Art Ensemble (US), Maurizio Lazzarato (FR), Laurence Allard & Olivier Blondeau (FR), Tania Bruguera (Cuba), Beatriz Preciado (ES), Gérald Raunig (AU), Stephen Wright (Canada), Elisabeth Lebovici (FR), Jean-Claude Moineau (FR)

Avec les oeuvres vidéos/films de Lida Abdul, Yael Bartana, Larissa Sansour, Almalgul Menlibayeva, Adrian Paci, International Errorista, Armin Linke & Francesco Mattuzzi / decolonizing architecture, Itamar Rose & Yossi Atia, Nastio Mosquito, Dmitry Gutov + Radek Community, Benj Gerdes & Jennifer Hayashida / 16 Beaver Group, Tania Bruguera, Hila Peleg, Irina Botea, Mark Tribe, Frédéric Moser & Philippe Schwinger, Jeremy Deller & Mike Figgis, Sylvain George, Critical Art Ensemble, Chto Delat ?, Brad Butler & Karen Mirza, José Alejandro Restrepo, Boris Groys, Alain Declercq, Ursula Biemann, Chen Chieh-Jen, Lin Yilin, Liu Wei, Oliver Ressler & Dario Azzellini, etc. Une performance par Rabih Mroué.

Curateurs : Kantuta Quirós & Aliocha Imhoff

Barry McGee book

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Art criticism and curatorial practices in marginal contexts 2006

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Third Text edition



Third Text is an international scholarly journal providing critical perspectives on art and visual culture. It examines the theoretical and historical ground by which the West legitimises its position as the ultimate arbiter of what is significant within this field. Third Text provides a forum for the discussion and reappraisal of the theory and practice of art, art history and criticism, and the work of artists hitherto marginalised through racial, gender, religious and cultural differences. Dealing with the diversity of art practice within the visual arts. Third Text addresses the complex cultural realities that emerge when different world views meet, and the challenge this poses to eurocentric and ethnocentric aesthetic criteria. Third Text develops new discourses and radical interdisciplinary scholarships that go beyond the confines of eurocentricity.

Founded in 1987, Third Text is published by Routledge on behalf of Black Umbrella with financial assistance of Arts Council England.

Pour accéder cliquer [ici!]

Design et Crime Hal Foster


Résumé : Le critique d'art Hal Foster analyse les évolutions actuelles en architecture à travers divers modèles et prône un retour à la "distinction culturelle".

Clique [ici!] pour lire l'analyse du texte d'Hal Foster Design et Crime paru le 4 avril 2008.

Daniel-Geo-Fuchs

Photos de jouets, figurines, artistes jouant de l'Histoire.
Daniel et Geo Fuchs.
Cliques [ici!]

Barry McGee

Barry McGee from Iconoclast Editions on Vimeo.


Barry McGee Mini-Documentary for the Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture Touring Exhibition - 2006

Barry McGee makes art that is meant to be seen on the street. Like the graffiti which embellishes run-down urban environments, these objects are often made and exhibited without permission of the property owners. The smoking overturned truck, is a form of public sculpture. From the outside, the abandoned vehicle calls attention to such issues as urban decay and civil warfare. The interior, with its collection of video monitors that flash and spin colorful signs and symbols, reminds us that art thrives in unlikely places. Barry McGee comes from a background of creating unsanctioned work on city streets in his native San Francisco. Signing his works with the tag “Twist”, the artist draws his force and inspiration from the contrast and tension that exists between the city center and the suburbs, between wealthy districts and the slums. McGee’s signature tags and markings have inserted an element of the individual and the handmade into a depersonalized urban landscape that has become increasingly crowded with corporate logos, trademarks and advertisements. His visual language is at the same time eclectic, ephemeral, radical and above all heavily influenced by the daily realities of the city. McGee’s complex installations convey a sense of vitality and chaos, juxtaposed with a precarious nature and sense of alienation. Large-scale wall murals, clusters of small framed drawings and snapshots, various tools and other street detritus make their way into his installations in an almost symphonic fashion. Intricate paintings are executed then rolled over with latex paint, echoing the “buffs” that cover graffiti in urban areas. Clusters of glass bottles hang in a corner with painted portraits of derelicts and other characterizations of street personalities. McGee has exhibited his works internationally including Deitch Projects, New York, UCLA Hammer Museum, Los Angeles, Foundation Cartier, Paris, Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, Fondazione Prada, Milan, Brandeis University’s The Rose, the 2001 Venice Biennale, the 2002 Liverpool Biennial, the Meat Market in Melbourne, Australia, a collaborative project with Kaldor Art Projects and the National Gallery of Victoria and most recently at Museum Het Domein, the Netherlands. McGee currently lives and works in San Francisco, California.

34 artistes [ici!] parlent de leurs boulots, sur VBS.TV/ArtTalk
à voir et revoir!

Exemple with with Barry McGee:

Some Indy games

Un petit article à lire, à propos des jeux indépendants qui se font en ce moment: [ici!]
C'est un blog d'un journaliste du Monde.fr, Laurent Checola, playtime.blog.lemonde.fr/
Voila, à observer, scruter, certains jeux valent le coup!

Expo La route de la soie

Les photos de l'expo:


Et la vidéo de présentation (la musique n'est pas dans l'expo...) :

Minecraft A different game

Minecraft, un jeu indépendant de gestion de ressources, de survie, de construction, a "sandbox" pour divaguer et interagir avec l’environnement. Car ici vous utiliser les ressources que la map, générée en aléatoire, vous propose. Stocker, transformer, construire, survivre. Un jeu mode "pré-histoire" qui peut se jouer gratuit, en version simplifiée ou en mode payant, pour 10$. Le jeu en phase alpha sera automatiquement upgradé, et les ad-on seront offerts.
Pour découvrir cette perle vidéoludique, c'est [ici!].
Le wiki qui explique tout [ici!].

MUSAC Le musée du présent


MUSAC, situé dans la ville de Leòn en Espagne, est un musée qui ouvre ses portes à de jeunes artistes contemporains, qui s'incrivent dans leur époque aux travers d'expériences sur les médias et les médiations. Là-bas, ce ne sont pas les questions muséales classiques qui dirigent la construction de leur collection. Au lieu de vouloir inscrire leur collection dans une histoire avec des artistes déjà reconnus et installés, les curateurs choisissent des oeuvres qui sont pensées pour se mêler à notre époque, à nos nouvelles cultures, fragmentées en proposant un "contact" au spectateur, plus concret.

Vous l'aurez compris, ce musée partage et réfléchi sur des notions qui m'enrichissent ces temps-ci.
Entre Modernisme/Post-Modernisme/Alter-Modernisme, je dois m'y retrouver dans ses paradigmes, comprendre ce qui structure les pensées de nos contemporains. Sans forcément vouloir m'y inscrire, je pense que ce sont des outils théoriques qu'on ne peux éviter...

Autre point intéressant, le musée met à disposition toute sa collection en ligne! Et il y en a très peu que je connais! [ici!]

Odd Future, "l’inquiétant" futur du rap






Petit article à lire, tranquillement, avec en prime 3 clips et du son de ces jeunes ados de LA qui voient l'avenir du Rap, au-delà des belles bagnoles, filles, villa, etc... Qui se la joue "fake-trash". [ici!]
Et bien sur, leur site, pour du live et des covers: [ici!]

Maurizio Catellan, "Contro le ideologie"

Destroy Design - arhus kunstbygning



Une confrontation, des détournements entre le design et l'art.
Plusieurs expériences de possibles à partir d'objets normés par la production de masse.

Le centre d'art [ici!]


Une présentation de son contenu, déjà présenté au MUDACLausanne:

Programmation Triennale de Aichi

Voici donc la page de présentation des artistes présents à la Triennale de Aichi, au Japon, cliquer [ici!] .

La notion d'oeuvre et ses limites


Je voudrais re-questionner le terme générique d’ « œuvre ». Au travers de nos pratiques, nous ne pouvons l’éviter. Réfléchir à ce qu’il veut dire pour nous, réellement et ce que la conscience collective en fait peut nous permettre un autre regard, distancié de nos actions. Voilà mes recherches et prises de notes, j’espère que cela provoquera des réactions qui enrichiront ma réflexion.

1- Parce que l’œuvre dans la conscience collective est respectée et signifie une réalisation aboutie, souvent menée par un savoir-faire précis, elle est associée à une notion de maître, de temps d’atelier et de chef-d’œuvre. Le terme « œuvre » a, particulièrement pour des étudiants en art, une connotation prétentieuse.
2- Son utilisation en devient complexe, voir tabou.
3- Ce mot fait appel à des dispositifs de présentation (musées, galleries, White Cube) avec des codes et des règles. Une présentation qui pourrait devenir une projection pour rentrer dans l’histoire ? => Inside the white cube , Brian O’Doherty.
4- S’il dérange, il me semble que c’est à cause de l’assimilation à une unité. L’œuvre serait une unité que l’on ne remet en question, un impénétrable objet d’art qui se suffirait à lui même pour marquer les consciences.
5- Il remplacerait alors même la question fréquente dans notre monde d’art contemporain à savoir ce que l’on voit, ce qui nous est présenté, est de l’art. Mais quelle est le but d’une telle question ?
6- L’écart entre les différentes langues est significatif. D’après mes observations qui suivent, de différents dictionnaires, nous avons en France un regard qui met sur un piédestal l’œuvre qui le lierait ne serait ce qu’un peu à la religion. Contrairement à l’Anglais ou l’Allemand où l’œuvre est surtout assimilée à un travail.
7- Alors que « masterpiece » ( chef-d’œuvre) est laissé aux critiques, historiens, théoriciens qui discutent de la pérennité d’une œuvre. En France, le langage commun a remplacé chef-d’œuvre par œuvre. Une confusion s’installe chez la majorité des Français.
8- Alors qu’en revenant aux origines du terme : Ouvrier, Ouvrage donne simplement la notion de travail, de réalisation, de production ; ce qui correspond à une réalité chez les artistes, celle d’un projet et de son suivi. Et non à une idée stéréotypée d’un art inspiré par des muses qui serait de l’ordre du divin, du majestueux.
9- Il faudrait donc penser à un vocabulaire plus adapté à chaque type de travaux, d’actions selon chaque situation précise afin d’employer les termes pour leurs définitions précises et non leur sens commun. Le terme semble être assez souvent trop générique pour un usage fréquent.

Ex : Production - Réalisation - Présentation - Proposition(artistique)- action – performance…

Œuvre : 1- nf ( latin opera, travail) Tâche, activité, action (de l’ordre de l’ instant, du processus). Réalisation, Production (plus de l’ordre d’un résultat).
- « Les bonnes œuvre » : ensemble d’actions charitables accomplies dans le cadre d’une organisation religieuse.
- « Œuvres Mortes » : partie émergée d’une navire.
- « Œuvres Vives » : partie immergée d’un navire.
2- nm ( latin opera, travaux) Ensemble des productions d’un artiste notamment de celles réalisées au moyen d’une technique particulière.
- « Gros Œuvre » : ensemble des ouvrages constituant la structure d’une construction.
- « Le Grand Œuvre » : la transmutation des métaux en or, la fabrication de la pierre philosophale.
Chef-d’œuvre : La plus belle œuvre d’un écrivain, d’un artiste. Œuvre d’art particulièrement accomplie. Ce qui est parfait en son genre.
Dictionnaire Le Larousse.
Œuvre : Anglais/ Français
Work(s) : Ensemble de la production artistique
Charity : Organisation charitable
The Shell : Le gros Œuvre
To make use of : mettre en œuvre
To implement : Faire des plans, des lois, des projets
Work of art : Œuvre d’art
Charitable works : Œuvres de bienfaisance
Dictionnaire Robert et Collins
Œuvre : Allemand/ Français
Nf :
Werk, Arbeit : Travail
Kirchenkasse : Religion, fabrique
Stiftung : fondation
Nm :
Werk : Œuvre d’artiste
Komposition : Peintre
Der Stein : Le grand Œuvre

L’utilisation du terme œuvre serait donc une question de contexte, de situations. Nous pouvons remarquer que le mot œuvre ne français est trop générique, trop global et qu’il faut apprendre à l’utiliser consciemment.
Il faut alors se poser la question du statut de l’œuvre : par cela j’entends qui fait l’œuvre, par quels moyens et ce qu’elle intègre ( processus- réalisations- actions –visions- réactions …)
En re-questionnant ces statuts, en repensant des situations, des performances, des médiations, le rôle de l’artiste et des spectateurs sont remis en jeu.
Recréer de nouvelles situations mettent en place un système instable, déséquilibré dans lesquelles les perceptions, les réactions sont moins normées car les codes ont changés. Cela pourrait provoquer de nouvelles énergies, de nouvelles dynamiques.
Pour ma part, je pense que ce ne doit pas être un but en soi mais plutôt un dispositif plus ouvert sur différentes monstrations qui, peut-être permettront une articulation de projets plus subversifs.
Il s’agit pour moi de trouver des exemples d’artistes qui ont eu des réflexions similaires ou opposées pour que je complète le sujet pour écrire un article avec des analyses précises historiques, théoriques, critiques et artistiques.
Pour le moment je pense à Mircea Cantor, au Land Art, au Body Art, à la performance en général, à Krzysztof Wodiczko et à Allan Kaprow, ou encore Erwin Wurm.

Art(s) et Territoire(s)


Dès le milieu du XXème siècle, l’individu se projette difficilement dans un monde politique troublé suite à la seconde guerre mondiale. Cette guerre aura été totale tant au niveau des moyens techniques et humains engagés, que par le nombre de pays impliqués, que par les repères sociaux et culturels déstabilisés. Dans la volonté de ne pas répéter certaines erreurs du passé, il fallut reconstruire de nouveaux repères. Le principe de culture unique et dominante a été mis en crise. Les limites de la représentation des territoires et des cultures ont été remises en questions et éclatent. Des intellectuels, artistes, auteurs, politiciens repensèrent un système où l’individu fut considéré en tant que personne unique qui vit et fonctionne indépendamment des idéologies de masse ; en tant qu’être conscient, responsable de ses actions et qui se définit par elles-mêmes, par sa propre existence. Il est libre dans son évolution personnelle même face à certaines cultures qui ont gardé leur force rigide et dominante. Aujourd’hui, grâce aux nouvelles technologies, les distances entre les territoires culturels ne sont plus les mêmes. Les frontières sont moins distinctes, plus ouvertes. Les échanges sont devenus l’enjeu fondamental de ces limites. Les flux monétaires et marchands se développent de manière intense. Les cultures, liées à une marchandisation, fortement représentées dans ces échanges, car financièrement soutenues, sont omniprésentes, même parfois écrasantes. Les autres cultures subsistent tout de même parce qu’elles s’échangent et se partagent ; localement et internationalement. C’est ce que l’on appelle la globalisation. Tout est plus accessible, plus rapidement, il en est plus difficile de trouver son chemin et de faire ses propres choix dans cette diversité. C’est en vivant dans ce contexte qu’intervient ce que l’on pourrait appeler un artiste catalyseur.

En tant qu’être en conscience d’une globalité dans laquelle il évolue, il analyse et met en relation son identité au monde extérieur. Sa tâche est compliquée car dès qu’il sait que tout élément est en mouvance, sa position l’est aussi et il se doit alors de se re-questionner sur son existence et ce qui l’entoure. Cet artiste, conscient de cette réalité, ne l’analyse pas uniquement, il souhaite aussi s’y inscrire. Il produira ainsi une forme, ou du moins une action, dès qu’il aura assimilé les données et qu’il se sera positionné vis-à-vis d’elles. C’est avec ce fonctionnement de pensée que l’artiste catalyseur se crée ses propres définitions du monde qui l’entoure. Il prend dès lors position au sujet de la sphère de ses interventions : la réalité.

Le réel serait opposé à l’imaginaire. Le réel définit ce qui existe, ce qui est palpable, qui n’est ni une fiction, ni un rêve. Le réel apparaît comme une vérité tangible, immuable. Pourtant chacun vit sa réalité par sa propre subjectivité relativement aux éléments extérieurs qui influencent une situation précise, ceux que l’on pourrait catégoriser comme contexte. Parce qu’il y a plusieurs contextes, plusieurs lieux et plusieurs observateurs, on peut parler de réalités multiples. La réalité ne serait pas unique mais constituée de différentes faces, toutes valables. Le réel ne constituerait donc pas une vérité absolue. C’est en se positionnant ainsi que l’artiste catalyseur ne participe pas à cette culture unique et uniforme car ses productions ne sont pas des réponses à des problèmes, construits comme vérité absolue mais comme des propositions de questionnements spécifiques. Comme son nom l’indique, il vient capter, catalyser des éléments dans son entourage qu’il vient s’approprier dans son questionnement et sa mise en forme. Parce qu’il n’y a pas de vérité absolue, l’artiste catalyseur doit librement comprendre et analyser les mécanismes et systèmes qui l’entourent en explorant différents territoires et leurs frontières comme possibles dispositifs de sa pensée. Par exemple, même s’il ne peut se permettre en tant qu’artiste de renier l’Histoire sans l’avoir comprise, rien ne l’oblige à s’y conformer. Au contraire, s’il veut développer une pratique ancrée dans la réalité, re-questionner l’Histoire et tenter d’aller au-delà est pour lui une priorité. L’artiste catalyseur serait un individu de passage au travers de territoires, de réalités et donc de frontières qu’il tente de comprendre et de dépasser. Cette notion ne date pas d’aujourd’hui, c’est une façon d’envisager la construction d’une pratique artistique ancrée dans un monde concret, qui dans son exploration de terrains, a majoritairement pris corps pendant cette période qui suivit la seconde guerre mondiale. Il s’agit pour moi de définir comment cette exploration de territoires, liée de manière transversale à l’art, a pu devenir un travail subversif sans uniquement se limiter à son exploration, son appropriation ; ni en définissant un autre territoire selon les mêmes règles.


Le territoire définit tout espace physique ou mental déterminé par des limites, par des frontières, par un nom. Autrefois synonyme de conquête, aujourd’hui il symbolise une unité stable, immuable, fermée et irréductible. Si l’on ne peut se l’approprier, on peut par contre le traverser, le mémoriser, l’associer pour le définir autrement ; ou même l’altérer. Ses frontières, matérialisées par une ligne discontinue, sont lieux de passages, de rencontres. Même en période de paix, les espaces frontaliers sont des lieux de tensions car les remettre en question, les détourner, c’est remettre en cause le territoire lui-même, son identité et tout ce qui le structure, comme son système politique, ses codes, ses limites et ses langages. Dès les années 60, on assiste à une période où les espaces sont artistiquement remis en jeu, à commencer par celui de la galerie, le white cube, représentant par sa couleur blanche et son lieu clos, la stabilité d’un territoire immuable. Les fonctionnements de cette neutralité installée ont précisément été analysés par l’artiste Brian O’Doherty en ce qui concerne les espaces d’expositions, depuis l’époque moderne jusqu’à 1976, date de parution de ses écrits. Il y définit ce qu’est pour lui ce lieu neutre, hors du temps, qui reflète l’époque moderniste durant laquelle son utilisation est devenue conventionnelle, au point de devenir un système fermé de valeurs permettant lui-même de déterminer que ce que l’on voit est de l’art. Le manque absolu de contexte empêche quiconque de s’approprier et de se positionner vis-à-vis de l’œuvre. Le spectateur en est exclu de toute expérience. Le cadre apparaît alors comme une parenthèse où rien n’interfère; ce qui met l’œuvre sous le statut d’une entité autonome. Le consensus est alors inévitable. Il en résulte que même si l’on montre un travail qui fait question, parce que l’accrochage n’est pas pensé en fonction du contenu, l’œuvre en est banalisée, effacée, noyée par le blanc et l’horizontalité de l’accrochage. A cette époque, des artistes de la même veine se sont inscrits dans ces réflexions et ont mis au point des dispositifs pour maîtriser cette neutralité tels la photographie, la cartographie, la topographie ou encore l’extraction de terrains.

C’est avec ce dernier dispositif que Robert Smithson a développé et théorisé la relation Site/Non-Site qui déterminait la relation du monde extérieur à celui de l’intérieur. Le Site était un lieu spécifique extérieur que l’artiste appréhendait en le transformant en une œuvre transportable, une représentation d’un site délocalisé, le Non-Site. Par le parcours, l’extraction et la collection d’éléments de terrains associés à des documents préparatoires de ses actions, Smithson pu créer ce lien en tension entre les différents territoires que sont le monde concret et les lieux d’expositions interchangeables comme dans son Earthwork de 1968, Nonsite, Oberhausen, Allemagne, exemple qui illustre les dispositifs théoriques et techniques employés par l’artiste. Suite à une visite du domaine industriel des anciennes forges de la Ruhr, Robert Smithson collecta tous les scories, les restes des forges et photographia le paysage environnant, désert, abandonné. Cette extraction méticuleuse du Site fut transportée dans l’espace de la galerie dans cinq containers métalliques, associés aux photographies des lieux, collées aux photocopies de la cartographie du terrain. Comme il l’écrira lui-même dans son essai de 1968, « Une sédimentation de l’esprit : Earth Projects », les bacs en aluminium qui contiennent ses Non-Sites rassemblent les fragments qui ont servi à son expérience de la matière brute et font grâce à leur contenant état d’une nouvelle géologie. Par ce type d’actions, sa volonté première venait de cette réflexion : « L’artiste qui se trouve physiquement entraîné dans un abîme, essaie de témoigner de cette expérience par une version limitée (cartographiée) de l’état originel illimité ». Dans cet abîme que représente le terrain, il constate que cette représentation ne peut être que très limitée et distante car l’artiste n’est pas en mesure de rendre compte exactement d’une expérience aussi vaste et illimitée. Aussi, sa mise en œuvre de cette tension entre le Site et le Non-site, ne peux fonctionner que lorsqu’on y perçoit l’expression de l’entropie naturelle du terrain. C’est la perte ou la transformation d’une énergie disponible en une énergie épuisée. Ces incursions dans le territoire deviennent alors des stratégies de remise en question des terrains mis en marge par le monde industriel moderne et par conséquent l’identité même de ces Sites. L’exploration d’un territoire devient pour les artistes, un moyen de l’analyser, de le catalyser pour le remettre en situation. C’est une démarche que l’on retrouve chez de nombreux artistes mais elle ne peut pas être considérée comme un mouvement de pensée établie par un manifeste mais plutôt comme une stratégie d’approche du monde concret.

Dans un contexte qui nous est plus actuel, nous pouvons évoquer le collectif Stalker fondé dans les années 90 par des architectes, des paysagistes et des artistes essentiellement. Inspirés par des questionnements expérimentaux des années 60, notamment dans l’architecture mais aussi chez les situationnistes, Stalker se positionne comme un collectif qui remet en cause les règles pré-établies du quotidien par les notions de territoires, de frontières, de flux, de nomadismes, en marge de la légalité. Ils travaillent dans les milieux urbains, vivant le plus souvent en nomades. Ce mode de vie et de pensée, en transit, leur permet de travailler les terrains vides, formant des interstices dans le paysage urbain. Par des processus d’observation, de parcours et de documentation, Stalker met en place des interventions dans des lieux spécifiques. Aux travers de leur propre mobilité, ils interrogent celle des cultures, celle qui est quotidienne et celle qui nous met en marge comme, par exemple dans le cas des immigrants illégaux. Nous pouvons citer leur marche de 4 jours et 3 nuits à la recherche des terrains urbains abandonnés, non cartographiés. Leur traversée de la ville, au-delà de ses territoires internes, permet de pointer du doigt les incohérences culturelles qui peuvent s’opérer en son sein. Le principe du collectif brouille les frontières d’autorité d’un artiste, d’un auteur. Parfois, dans ce principe, ils partagent l’expérience de la marche comme découverte et captation d’un territoire, démarche existentialiste, avec les habitants de la ville.

Si la notion de territoire et de frontière semble étroitement liée aux questionnements artistiques autant sur le monde concret dans lequel vit et dont prend part l’artiste que sur le rôle qu’il incarne, c’est par sa définition qui est à l’origine ambivalente.A la façon de Stalker, en parcourant un territoire, on l’assimile et le compare à notre propre territoire, ce qui nous identifie. Artistiquement, le territoire questionné et remis en jeu, traversé, dépassé, possède des enjeux subversifs. Les territoires, les identités, les rôles ont vu depuis cette période d’après guerre, leur statut, leur frontières, devenir souples. La vision de l’artiste au sein de la société, ou au contraire à l’écart pour mieux l’observer, semble être dépassé. Ainsi, l’artiste, l’auteur, l’acteur, le spectateur et l’œuvre n’ont plus des statuts fixes et prédéterminés. Allan Kaprow est un des artistes à l’origine de cet effacement de frontières au profit d’un art mêlé au réel et inversement. C’est dans son écrit Assemblages, environnements et happenings de 1965, qu’il pose son vocabulaire et explique les fondements d’un art qui n’aurait plus l’étiquette d’art. Il met au point, par le biais des happenings et des environnements, un art évènement, impliquant la participation du public, qui suivrait un plan, une volonté précise mais sans procéder à une fiction répétée telle la manière d’une pièce de théâtre. Il distingue précisément la pratique des happenings d’un théâtre expérimental qui serait alors une façon de réintégrer sa réflexion dans le domaine du culturel, coupant toute notion de spontanéité liée aux hasards des situations. Les environnements sont des types de happenings que Allan Kaprow a longtemps exploité comme média de réflexion du monde concret qu’est le quotidien. Il explique ainsi cette notion : « Les « environnements » sont généralement des situations tranquilles existant pour une ou plusieurs personnes, où ces dernières peuvent pénétrer, ramper, s’allonger ou s’asseoir. On regarde, parfois on écoute, on mange, on boit, on réarrange les éléments comme si on déplaçait des objets domestiques autour de soi. D’autres « environnement » font appel au visiteur, pour qu’il crée à son tour et continue le processus inhérent à l’œuvre ». L’art et le réel deviendraient deux possibles. Une action artistique serait par exemple de ne rien faire et de laisser le temps opérer le happening de la prise en conscience de cet état de néant. Parce qu’il remet en question la sphère qui l’entoure et lui-même, l’artiste catalyseur est en constante adaptation à ce monde, toujours en opérant un mouvement physique et intellectuel de zigzag par lequel il n’est pas toujours en adéquation avec les concepts pré-établis de la société dans laquelle il évolue. Il produit alors des questionnements, spécifiques à lui-même, repoussant toujours les limites de ce qui a déjà été installé et crée alors des pensées et des actions qui sont hybrides. Il doit ensuite déterminer leurs nouveaux statuts, quelques fois sensiblement différents d’un acte artistique classique, pour pouvoir créer ses propres territoires qui s’interagissent et ne pas se fixer dans un seul territoire. Ainsi, il peut effectuer ses propres zigzags et mises en crises autant que possible en associant différents terrains qui lui sont personnels.


Position

Au-delà d'un art dominant, c'est un art d'égal à égal que l'on doit construire, mettre en place.

Entretien avec Sylvie Blocher


Mails/

Je me permet de vous écrire, suite à votre conférence à Bourges. J'y suis en deuxième année, et j'ai vécu une claque. Ma première fût l'expo au frac de Reims de Mircea Cantor, alors que j'était en fac de sport, j'ai décidé de m'investir et m'engager artistiquement. Après tout un chemin que je ne vais pas expliquer, je vais éviter l'autobiographie, je suis arrivé à Bourges, avec mon amie. Situation idyllique, dans un premier temps, puis sensation désagréable de ne pas être dans le milieu artistique tant espéré. Après quelques "coups" reçus, nous nous sommes repris, motivés disons, depuis 6 mois l'on s'active, malgré cette non acceptation de la différence. Et là, deuxième claque, comme vous le disiez justement, vous êtes un exemple, non pas comme un modèle à suivre, mais comme une preuve concrète qu'avec des tripes on peut alors choisir sa route, et la tracer, malgré les obstacles, et en toute honnêteté. Enfin,c'est une écriture à chaud, pleine de naïveté, mais je voulais émettre un retour d'une façon ou d'une autre, comme dans vos travaux, qu'il y est un réel contact. C'est très étrange d'écrire ce mail, l'on va dire que c'est humain, je ne sais pas, en tout cas je ne le fais pas pour contacter "un ou une grande artiste", ça je m'en "contrefiche". Il va me falloir digérer un peu, car ce fût intense, et je ne sais plus quoi écrire, peux-être vous remercier, car malgré votre fièvre vous avez tenu le coup, avec ferveur et enthousiasme. Je vais arrêter là, pour éviter les flatteries inutiles, je ne peux que vous souhaiter de continuer à tracer votre chemin, à travers nos réalités.

Jean-Baptiste

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La naïveté c'est une arme contre toutes les
formes de cynisme et d'idiotie

Les tripes ne suffisent pas.
Il faut constamment apprendre
Regarder le monde
et apprendre à nouveau.
Etre généreux
Il faut aussi accepter de prendre place
et traquer les faux désirs construit pour nous
de toute pièce par une société terrorisée
par la singularité et l'altérité


Cantor serait aux anges de savoir qu'il vous a fait
quitter votre fac de sport. C'est une belle histoire

Merci pour votre très gentil mail
On ne m'avait encore jamais comparée à une claque...

Bien à vous
Sylvie Blocher

L'art face à de nouveaux enjeux?


Notre monde, si l'on veux le définir sur un point, peut être associé au mot complexité. En tout cas, elle nous est aujourd’hui donnée à voir quotidiennement, de part nos moyens de communications et nos systèmes médiatiques transfrontaliers, qui relatent évènements et moments choisis de par le monde. Ainsi l'image que l'on peut avoir de celui ci ne peut être que parcellaire et lacunaire, mais on se conforte dans l'idée que nous avons accès à un prorata de données suffisant pour construire notre propre opinion et point de vue. Nous sommes bel et bien dans une société tendant vers une globalisation, dans le sens d'une accélération des échanges monétaires, technologiques et culturels. Mais ce terme est a considérer dans son ambivalence. Comme l'écrit Jean-Luc Blondel ( Revue internationale de la Croix-Rouge, Nº 855, 2004, La globalisation : approche du phénomène et ses incidences sur l’action humanitaire. Jean-Luc Blondel, délégué au Comité International de la Croix-Rouge.) « Mondialisation, globalisation. Mots slogans ou réalités? Les deux à la fois, tant ces concepts mélangent des éléments certains, objectifs, et des perceptions plus subjectives. », il en devient ainsi difficile d'en traiter le sujet objectivement si l'on vient à s'écarter de sa définition la plus simple. Alors nous pouvons retenir l'hypervitesse quasi science-fictionelle de l'information qui fabrique nos réalités, une chose est sûre, l'art est soumis à de nouveaux paramètres. De même les rapports entretenus de l'artiste à nos réalités sont à l'origine de formes nouvelles d'expression et les limites entre les champs de recherches s'en retrouvent repoussées. Dans ce contexte général l'art, au sens d'un art représenté par les institutions publiques et privées majeures, se retrouve dans une situation nouvelle. La marchandisation croissante des biens culturels de ces dernières années stagne, les pratiques culturelles se diversifient et ne se limitent plus aux espaces privilégiés, nous parlons alors facilement d'art en crise. Nous subirions une perte d'identité, nous serions victime de nos aïeuls, ils ont prédis cette situation, ils ne nous ont pas préparé à cette perdition. Le schéma est pourtant trop évident pour qu'il soit exact.

Si l'on parle d'art en général, nous évoquons en fait le mot culture. Ce qui signifie que l'on ne considère pas seulement les artistes et leur production, nous parlons aussi de tous les acteurs et les marchés qui en sont parallèles. Elle n'est donc qu'une catégorie en soi, un type, un vaste espace composé d'actifs. Ce mot sonne principalement parmi les discours, la culture est un bastion politique avant tout. Un artiste tente de composer de l'art, non pas de la culture, l'art ne soude pas nécessairement les masses. Mais avant tout elle est un bien commun. Les traditions, les styles architecturaux, les codes vestimentaires des mouvements rocks ou punk sont autant de signes formant des cultures. Elles se définissent par l'idée du groupe, celles-ci usent de signes caractéristiques et qui dans sa temporalité mettent en place ce que l'on pourrait appeler au sens concret des stéréotypes culturels. Et un art représenté par les mêmes institutions sur le long terme forment autant de codes et de stéréotypes, de ce qu'on appelle plus communément des styles. L’éloignement de notre société aux systèmes culturels, des réseaux fermés sont finalement à l'origine d'une certaine monoculture. Celle-ci étant amplifiée par la valorisation économique des biens dits culturels, et leur marchandisation éloignée des modèles économiques les plus courants. Cette monoculture apparaît donc comme intouchable, inaltérable, ce qui contredit le sens même d'une culture. Jeff koons déclara dans son dernier interview, (pour Artnet.fr par Gina Kehayoff, La BMW qui courra les 24 Heures du Mans en 2010 a été peinte par l’artiste Jeff Koons, 2010) « Une œuvre d'art, une fois que vous l'avez vu, vous pouvez l'emporter partout avec vous, dans votre cœur ». Il est, nous pouvons le dire devenu le symbole même de l'artiste qui apparaît écarté de nos réalités complexes, de part l’aspect consumériste de son travail, ses œuvres sont plus qu'achetées, elles sont consommées par les acteurs de ce qu'il appelle « la culture, celle d'Hollywood ». En sublimant lui même ce qu'il appelle nos archétypes, il distancie ses œuvres à nos réalités, certainement dans la recherche d'une beauté, en tout cas d'une vérité, selon Platon. Il caractérise l'état d'un marché de l'art, mais aussi il propose un art simplement paternaliste, au sens même qu'il considère le regardeur comme une entité en attente de réponse, d'une certaine vérité. Cette situation monoculturelle et géographiquement centrée autour de l'Europe de l'ouest et des États-Unis ne paraît pas autoriser une ouverture des cultures au sein des institutions, mais depuis la chute des marchés, pendant laquelle cette stabilité s'en est retrouvée amoindrie les débats ont changé de direction.

Si les modèles économiques ont étés secoués, une réévaluation des discours passés sur les problématiques esthétiques s'est opérée en plus de l'émergence de nouvelles. Catherine Grenier, directrice adjointe du Musée national d’art moderne, explique dans un article du Journal des Arts (No 320, 5 mars 2010, Beaubourg veut repenser le monde) ses positions, et la mise en place d'un programme au centre Pompidou autour de la question de mondialisation:
« J’ai vu à ce moment-là quels étaient les nouveaux enjeux et les nouveaux réseaux. Il faut repenser le musée lui-même. On ne peut se satisfaire aujourd’hui d’être un musée occidental ouvert à ce qu’on appelle les pays émergents, qui sont en fait de grandes puissances économiques. Il faut s’adapter, repenser le monde en termes de pôles que nous devons bien connaître et présenter dans notre collection. Penser la mondialisation au XXIe siècle, c’est repenser l’internationalisation au XXe siècle, regarder les territoires qui ont alors été négligés, relire l’histoire de l’art. »
Puis après l'explication du programme en quatre axes, citons la dernière phrase:
« On ne peut aider la situation des artistes français qu’en étant leader sur le plan de la mondialisation. »
Les questionnements sont tardifs pour un musée d'art sensé être le principal musée français, mais en soi questionner les rapports de l'art, des institutions face et au cœur de la globalisation est primordial, voire obligatoire si l' on veut qu'il reste une plateforme active à notre époque. Mais pourtant, face à cette idée d'ouverture l'on pourrait parler de re-centralisation, au sens où l'ouverture se situe sur un simple élargissement du champ de vision des curators ou des collectionneurs pour un accueil d'artistes et d’œuvres au sein de nos principales collections, et non pas sur une réelle volonté d'échange interculturel. L'idée même de leader pour une institution indépendante des marchés de l'art est en soi une aberration. Car le centre Pompidou de par sa structure et sa situation, est le seul musée français capable d'accueillir autant d’œuvres et de pouvoir répondre au flux de visiteurs qu'il connait. Il est de ces faits logiquement leader sur notre territoire, et internationalement si l'on considère la France comme étant une des puissances politiques et économiques de ce monde. Et il restera leader d'une centralisation artistique si l'ensemble de ses organisateurs travaillent en ce sens. L'idée de crise est sous-jacente à ces remaniements, pour laquelle une réaction générale serait à entreprendre, pour installer certainement une culture centralisée, perçue alors comme unique vérité ou en tout cas comme légitime. La démarche est éloigné au plus haut point d'une esthétique ''duchampienne'' si l’on peut dire, au sens même de trouver dans la mise en crise du statut de l’œuvre d'art une richesse artistique et donc de création. Finalement ce n'est pas une adaptation à un monde globalisé qui nous est proposé, mais à un retour d'un système culturel rigide et ethnocentré, dans une peur de perte de valeur, de force culturelle, l'on peut dire aussi dans une peur de maitrise finalement.

Pourtant les artistes ont été les premiers à s'emparer de ces questions, de l'idée de marchandisation de l'art, à celle de globalisation. Par exemple Michael Heizer, artiste américain, né en 1944, est un artiste du Land Art. Au sujet de son travail Displaced/Replaced Mass (1969, Silver Springs Nevada, 30, 52, et 70 tonnes de granit dans des fossés bétonnés.) il expliqua dans le magazine ArtForum sa position à propos de sa réalisation:
« Il se pourrait que l'une des conséquences de l'earth art soit de priver l’œuvre d'art de tout statut de marchandise. La position de l'art en tant qu'objet-marchandise malléable vacille à mesure que la structure économique, basée sur l'accumulation, se congestionne. »
Sans parler de prédiction, l'analyse de la situation artistique qui lui était contemporaine semble encore plus juste au sujet de la situation artistique actuelle, en tout cas elle nous éclaire sur l'importance des choix de l'artiste, et de ses rapports qu'il entretient avec son œuvre. C'est avant tout des choix personnels qui doivent être à l'origine d'un travail artistique, la difficulté étant de minimiser les compromis entre l'artiste et l'institution. La réalité est que si un artiste veut subvenir à ses besoins par sa pratique, en évitant les compromis il se doit de trouver des stratégies artistiques pour que malgré ses choix il puisse être soutenu par une institution quelle qu'elle soit, l'anarchie pure et simple est dans ce sens non raisonnée, mais surtout elle ne propose pas une pratique artistique à volonté performative. La question de réalité économique de l'artiste est devenue une question centrale, qui pourtant paraît s'éloigner des réelles causes de difficultés rencontrés par les artistes. Serait-ce aux artistes de s'adapter aux sphères culturelles ou aux sphères culturelles d'être à l'écoute des artistes et de l'émergence de nouvelles pratiques, ne serait-ce que le net art ou plus globalement l'art des nouveaux médias, représentés en France que par certains festivals et web-journaux spécialisé tel que Poptronics (http://www.poptronics.fr/ , site d'information sur les mondes digitaux, fondé par Annick Rivoire, ancienne journaliste de Libération, en 2006)? Nous sommes certainement loin de l'utopie d'une civilisation cultivée et bien pensante tels qu’écrivaient certains auteurs de science-fiction comme Isaac Asimov avec Cycle de Fondation (Isaac Asimov, série de science fiction Foundation,1951; Foundation and Empire, 1952; Second Foundation, 1953; Foundation's Edge, 1982; Foundation and Earth, 1986; Prelude to Foundation, 1988; Forward the Foundation, 1992), mais dans l'absolu le monde artistique possède une part d'opacité, celui-ci étant mal-voyant et visant une problématique de biais.

Au-delà de l'idée d'alternative, certains artistes contemporains proposent des œuvres ouvertes sur ces questions, sans être moraliste. L'on peut citer, par exemple Mircea Cantor. Né en 1977 en Roumanie, il est un artiste protéiforme qui questionne les engrenages nous constituants en tant qu'individu, et ceux de nos réalités complexes, certain que la part de subjectivité qu'il met en ces travaux n'est pas à rejeter, elle serait un signe d'engagement artistique. Avec The landscape is changing (dvd projection, 22', 2003) On assiste à une manifestation en Albanie, dont les pancartes utilisées sont des surfaces miroitantes. La marche est silencieuse, dans les rues, au milieu des foules, de la circulation. Il nous présente un flux, des moments, l'image est mouvante autant dans l'écran, que dans chacune des pancartes, rien n'est figée. Il parle de changement, l’œil ne se fixe pas. Les pancartes ne montrent finalement que des extraits de la ville environnante, des bribes. Cette vidéo nous montre à quel point finalement malgré un état mélancolique on ne peut proposer que des formes lacunaires, qui modifient nos réalités. C'est en ça que le caractère performatif de l'art est à prendre en compte. Car s'il ne peut proposer une parfaite mimesis, il peut questionner et proposer des hypothèses, s’intégrer à un espace, pour en modifier son statut. L'art en tant que hiatus, bug informatique, tache, acte et action peuvent alors penser ou repenser nos situations, et la positon de l'artiste. Ainsi l'utilité ou l'inutilité de l'art n'est pas nécessairement une dialectique riche à développer, mais l'art dans ces possibles au sein même des nos réalités, de nos espaces concrets, peut avoir toute sa puissance performative, au-delà même de sa propre représentation, et de la volonté d'exactitude. Il préfère ainsi par ce travail faire refléter une réalité à un moment donné plutôt que d'en proposer une illusion. Sa démarche n'est pas de simplement critiquer une situation particulière, mais au contraire de laisser place à l'interprétation. Il met en place un vocabulaire qui s'articule au sein d'une hypothèse, ici sur les rôles symboliques du miroir et sur l'idée même de la représentation du réel dans l'art. Hypothèse car il ne propose pas de point de vue définitif, mais des probabilités, en un flux vidéo, en contradiction avec les principes d'une monoculture. Il nous parle de changement, notre avenir s’inscrivant selon nos actes. Mircea Cantor met en place une pratique personnelle formée de ponctuation, de possibilités, il propose des points de vues, des constatations des fonctionnements de notre société, entre l'humain et les mécanismes politiques, l'art propose ici une réouverture des définitions face aux enjeux certes qui ne sont pas nouveaux, mais plus encore omniprésents dans nos sociétés globalisées.

Finalement aucun schéma peut être exact à propos des situations artistiques aujourd'hui. Mais si la globalisation est vue comme l'origine d'une crise culturelle, le retour à des valeurs artistiques sures est en soi un danger. Un danger car la définition même de l'art est d'être mouvant, non figé, et un retour malhabile à des traditions ou des idées rétrogrades sont en soi des causes de divorce avec les jeunes artistes et les institutions artistiques de leur pays. Dans ce contexte économiquo-culturel les artistes ont la possibilité d'au-moins tenter de s'exprimer. Pour reprendre une phrase du photographe Thomas Demand lors d’un interview (La photographie contemporaine par ceux qui la font, édition Thames&Hudson, Anne-Celine Jaeger, p22) « Je conseillerais à n'importe quel jeune de faire ce qui le passionne vraiment, plutôt que de spéculer sur ce qui pourrait intéresser le public. Ainsi, si vous ne réussissez pas, ce qui est le plus probable, vous aurez au moins travaillé sur quelque chose qui avait du sens pour vous. » Toute stratégie peut alors être mise en place pour malgré ce contexte proposer une forme artistique pertinente et questionnant une réalité ciblée par l'artiste. Certainement aussi que l'idée de vérité n'est plus à l'ordre du jour, d'un point de vue humaniste, chacun à la capacité de formuler sa propre vérité, de forger son propre regard.